Examinar el Museo del Louvre: 15 puntos destacados, consejos y visitas guiadas

Un recorrido por las extensas galerías del Museo del Louvre ofrece un curso intensivo sobre el mejor arte de la civilización occidental. Aquí se exhiben algunas de las obras maestras más famosas del mundo, como la Mona Lisa de Leonardo da Vinci y la Vénus de Milo .

Una gran cantidad de las pinturas del museo fueron propiedad de varios reyes que vivieron en el Louvre cuando era una residencia real; otras piezas fueron adquiridas a través de los tratados de Francia con el Vaticano y la República de Venecia. La colección se enriqueció aún más con el botín de Napoleón I.

El museo más grande del mundo, el Musée du Louvre reúne miles de obras de arte en un espacio de exhibición de 73,000 metros cuadrados en tres secciones: las alas Denon, Richelieu y Sully, en un magnífico edificio que alguna vez fue el palacio de los reyes franceses.

Cada ala tiene más de 70 salas que exhiben pinturas y objetos de arte, además de enormes salas llenas de esculturas. Es imposible ver toda la colección en un día o incluso en una semana.

Visitar el Louvre es una de las cosas imprescindibles que hacer en París. Sin embargo, la mayoría de los turistas necesitan orientación para apreciar realmente el arte y su rico patrimonio cultural. Esta lista de verificación de 15 «puntos destacados» del Louvre incluye contexto histórico e información detallada sobre cada pieza para mejorar su experiencia.

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Nota: Es posible que algunas empresas cierren temporalmente debido a problemas recientes de salud y seguridad a nivel mundial.

1. Mona Lisa de Leonardo da Vinci (Ala Denon, Habitación 711)

Los estudiosos debaten qué hace que la Mona Lisa sea una de las pinturas más famosas del mundo. Una explicación es el sentido del misterio.

Aunque la identidad de la modelo no está clara, se cree que la mujer retratada es Lisa Gherardini, esposa de Francesco del Giocondo (un comerciante de seda en Florencia, Italia). Por esta razón, el nombre italiano de la pintura es La Gioconda , que se traduce como La Joconde en francés.

Otra explicación de la celebridad de la pintura es la sonrisa enigmática del sujeto, que posiblemente simboliza el ideal de la felicidad. Su expresión cautivadora y su mirada de reojo tienen una forma de encantar a los espectadores. Los observadores notan cómo la Mona Lisa parece estar observándolos desde cualquier lugar de la habitación.

Muchos visitantes vienen al Louvre solo para ver esta pintura, sin duda la obra de arte más famosa del museo. Creado por Leonardo da Vinci alrededor de 1503, el pequeño cuadro de la Salle des États (Sala 711) está cubierto con una capa extra de plexiglás y suele estar rodeado por una multitud de turistas que intentan echarle un vistazo.

Para obtener una mejor apreciación de esta pintura, es una buena idea hacer un recorrido a pie en grupos pequeños por el Louvre dirigido por un guía experto. Este recorrido de tres horas permite a los participantes evitar las largas filas de entrada al museo y dirigirse directamente a las obras imperdibles, aprovechando al máximo el tiempo que pasan en el museo.

2. Las Bodas de Caná de Véronèse (Ala Denon, Sala 711)

Paolo Caliari (conocido como Véronèse) creó Les Noces de Cana en 1563, por encargo del Monasterio Benedictino San Giorgio Maggiore en Venecia.

La pintura más grande del Museo del Louvre, este inmenso lienzo de seis metros de alto por 10 metros de ancho cubre una pared completa de la galería del Louvre desde el piso hasta el techo. Originalmente, estaba destinado a decorar el refectorio del monasterio veneciano.

Les Noces de Cana ( Las Bodas de Caná ) es una composición magistral que retrata la escena bíblica de la boda en Caná de Galilea, el evento según el Apóstol Juan cuando Cristo realiza el milagro de convertir el agua en vino.

La notable composición de más de 100 figuras de alguna manera logra parecer armoniosa en lugar de abarrotada. Los novios se sientan al final de la mesa del banquete en el lado izquierdo. Cristo está en el centro rodeado de sus discípulos. Los venecianos contemporáneos se mezclan con personajes bíblicos en turbantes orientales.

La asombrosa atención del artista al detalle se ve en las minucias realistas, como el drapeado de los espléndidos trajes venecianos. La escena llena de acción está llena de sorpresas: un enano sosteniendo un periquito (parte inferior izquierda), pajaritos, perros amistosos y un gato divertido (parte inferior derecha) que parece ser un invitado no invitado mientras se rasca las garras en un jarra de agua.

3. Vénus de Milo (Sully Wing, Room 345)

La Vénus de Milo se encuentra en la Galerie des Antiques del Louvre , en la Salle de la Vénus de Milo (Sala 345), una suntuosa galería del siglo XIX revestida de mármol rojo.

Esta atractiva estatua, también conocida como Afrodita, representa el ideal griego de belleza. Creada alrededor del año 100 a. C., la estatua de la diosa refleja la estilización del período helenístico tardío.

La obra ha cautivado al mundo del arte desde que fue descubierta en la isla griega de Milos («Melos» en griego antiguo) en 1820 y fue presentada a Luis XVIII.

Lo que hace de esta estatua una obra maestra es la composición equilibrada, la sensación de espacio y la forma en que las cortinas caen sobre las caderas de la diosa. Desafortunadamente, las piezas de mármol que faltan dificultan la identificación y comprensión completas de la estatua.

Los historiadores del arte han tratado de imaginar cómo estaban colocados sus brazos y dónde podría haber estado parada. Algunos creen que pudo haber sostenido una manzana, una corona o un escudo. Otra hipótesis es que Venus sostenía un espejo en una mano para admirar su reflejo.

4. Victoria de Samotracia (Ala Denon, Sala 703)

Una obra maestra del arte helenístico, esta monumental escultura clásica es impresionante de contemplar. Presentada en su propio espacio en la parte superior de la gran escalera Daru , la Victoria de Samotracia ( Victoria alada ) tiene una forma de cautivar a los visitantes cuando doblan la esquina y echan un vistazo a la estatua.

Encaramada en una postura valiente en la proa de un barco, la diosa alada de la victoria (Nike) conduce un barco que navega a través de ráfagas de viento embriagadoras. Creada alrededor del año 190 a. C., la diosa alada de la victoria se encontró en la isla de Samotracia y se cree que es una ofrenda religiosa del pueblo de Rodas en conmemoración de una victoria naval.

La figura de la Diosa está retratada con tanta precisión que es difícil creer que fue creada 2000 años antes que la fotografía y el modelado gráfico en 3D. La composición en espiral crea el efecto de un movimiento vigoroso, con las alas retenidas y la pierna derecha colocada delante de la izquierda.

Gracias a los detalles escultóricos sutilmente representados, la Diosa parece estar empapada en agua. Su ropa tiene el efecto realista de una tela liviana que se adhiere a sus caderas y piernas, revelando la forma del cuerpo femenino desnudo. Al mismo tiempo, una brisa hace que la túnica drapeada de la diosa se infle, lo que le otorga una sorprendente sensación de realismo.

5. La coronación del emperador Napoleón I por Jacques-Louis David (Ala Denon, Sala 702)

Napoléon I encargó a Jacques-Louis David que creara esta majestuosa pintura como documento de su ceremonia de coronación. Napoleón se proclamó emperador en mayo de 1804 tras un golpe de estado tras sus victoriosas campañas militares en Italia y Egipto.

La ceremonia de coronación se llevó a cabo de acuerdo con el protocolo de coronación de un rey en la tradición monárquica francesa. Sin embargo, Napoleón se coronó de cara a la congregación en lugar de ser coronado por el Papa, para hacer una declaración sobre su independencia de la iglesia.

Jacques-Louis David asistió a la ceremonia de coronación del 2 de diciembre de 1804 en la Catedral de Notre-Dame de París. De 1805 a 1808, el artista creó esta pintura impecablemente detallada y realista del evento completo con la asistencia de 146 personas.

La Coronación del Emperador Napoleón I se extiende sobre un lienzo de gran tamaño de seis metros por 10 metros; sus grandes proporciones dan a los espectadores la impresión de estar realmente presentes en la ceremonia de coronación. Al ver la pintura, se dice que Napoleón hizo una declaración en referencia a su grandeza y realismo: «¡Uno puede caminar a través de esta pintura! »

David describe la ceremonia con precisión, cumpliendo con el pedido de Napoleón de transmitir un mensaje simbólico y político, glorificando el evento para darle un lugar único en la historia.

Les Salles Rouges (Salas Rojas) exhiben La coronación del emperador Napoleón I y otras pinturas históricas prestigiosas, como Madame Récamier de Jacques-Louis David, Le Radeau de la Méduse ( La balsa de la Medusa ) de Théodore Géricault, Mademoiselle Rivière de Jean -Auguste-Dominique Ingres, La Liberté Guidant le Peuple ( La libertad guiando al pueblo ), y La Mort de Sardanapale ( La muerte de Sardanapalus ) de Eugène Delacroix.

6. Liberty Leading the People (Ala Denon, Sala 700)

Esta evocadora pintura ilustra uno de los acontecimientos más importantes de la historia de Francia, el levantamiento parisino de julio de 1830, cuando los republicanos de Francia protagonizaron una revuelta contra el gobierno de la Segunda Constitución.

Delacroix pretendía que La Liberté Guidant le Peuple ( La libertad guiando al pueblo ) destacara los valores de la Revolución de 1789 y el ideal de la soberanía popular. La creación de esta pieza fue un acto patriótico, ya que Delacroix creía apasionadamente en la causa republicana.

La figura alegórica de la Libertad se representa como una mujer fuerte e inspiradora con el pecho desnudo (la desnudez es un lugar común en las pinturas históricas francesas), lo que sugiere el linaje de una diosa griega clásica. Evidencia de su determinación y espíritu de lucha, sostiene una bandera francesa en una mano y un arma de infantería en la otra.

La figura de la Libertad emerge victoriosa de un fondo oscuro y ahumado y parece estar bañada en luz, símbolo de su iluminación moral. Delacroix aporta una interpretación romántica y profundamente emotiva a la pintura y, al mismo tiempo, una cualidad realista.

7. Psyche Revived by Love’s Kiss de Antonio Canova (Denon Wing, Room 403)

De todas las esculturas en la Galerie Michel-Ange (Sala 403), llena de luz solar, esta es la más encantadora. Esta escultura, Psique revivida por el beso del amor (también titulada L’Amour et Psyché en francés) se inspiró en la historia mitológica de Cupido y Psique de las Metamorfosis de Ovidio .

En esta historia, Cupido ve a Psique que ha caído en un hechizo de sueño después de inhalar una poción prohibida. Cupido se acerca suavemente a Psique, a punto de besarla. Entonces Psyche se despierta y abraza lánguidamente a Cupido. Este es el tierno momento capturado en esta encantadora obra maestra.

Antonio Canova creó una pieza llena de emoción, propia de la escultura neoclásica romántica. Al mismo tiempo, la escultura es tan precisa que las figuras parecen reales.

Observe la fina escultura de las alas de Cupido, el carcaj lleno de flechas y la ornamentación del ánfora. Admira la forma en que Cupido sostiene el cuello de Psique y la curva de su cadera cuando se gira para abrazarlo, todo mostrado con un perfecto sentido de la proporción y el movimiento.

Las características meticulosamente cinceladas y los detalles anatómicos como el ombligo de Psyche y los gráciles dedos de los pies añaden una sensación de autenticidad, creando la impresión de que las figuras están hechas de carne en lugar de mármol.

8. Louis XIV por Hyacinthe Rigaud (Sully Wing, Sala 916)

Esta emblemática pintura del «Rey Sol» fue creada en 1701 por el retratista real francés Hyacinthe Rigaud. La pintura originalmente estaba destinada a ser un regalo para Felipe V de España, sin embargo, a la corte francesa le gustó tanto que la pintura nunca fue enviada al rey español.

Realizado con exquisito detalle, el retrato representa a Luis XIV como la máxima imagen del poder absoluto. El fondo opulento y las impresionantes túnicas de coronación del Rey simbolizan su grandeza. Luis XIV tenía 63 años cuando se pintó este retrato.

Observe la riqueza de la túnica del rey, que está bordada con flores de lis (flores de lirio), el símbolo real. Al fondo, una corona descansa junto al rey sobre un taburete. Esta pintura fue diseñada para recordar al espectador la autoridad de Luis XIV.

9. La Dentellière de Jan Vermeer (Ala Richelieu, Sala 837)

Renoir consideró la pintura de Jan Vermeer de La encajera como una de las pinturas más bellas del mundo. La Dentellière fue creada por Vermeer alrededor de 1669 o 1670.

El motivo del encaje se usaba a menudo en las pinturas holandesas del siglo XVII para simbolizar las virtudes femeninas tradicionales. En el frente de la pintura hay un pequeño libro que probablemente sea una Biblia, lo que le da a la pieza otra capa de sugerencia moral y religiosa.

A Vermeer le encantaba pintar escenas de la vida cotidiana y tenía la habilidad de representar objetos familiares de una manera atractiva. La joven (probablemente la esposa de Vermeer) se muestra concentrada en su minucioso trabajo de encaje.

El hilo entre los dedos de la mujer y los alfileres y la bobina forman el punto focal central de la pieza. Los objetos se vuelven más borrosos en el fondo, imitando el campo óptico natural del ojo humano.

Vincent van Gogh elogió esta pintura por su armoniosa combinación de colores, que se ve en el vibrante cojín de costura y los hilos de varios tonos.

10. Caballos de Marly (Ala Richelieu, Cour Marly)

Los Chevaux de Marly (Caballos de Marly) fueron encargados por el rey Luis XIV para el estanque de caballos del Château de Marly. Creada entre 1739 y 1745, esta monumental escultura de mármol de Carrara es una imagen más grande que la vida de dos caballos sujetados por mozos.

El escultor, Guillame Coustou, probablemente se inspiró en las antiguas estatuas romanas que se encuentran frente al Palacio del Quirinal en Roma, que muestran a los semidioses Cástor y Pólux tratando de domar a sus caballos. Haciendo alusión a esta referencia clásica, los Marly Horses simbolizan la lucha entre el hombre y la naturaleza (representada por un caballo indómito).

11. La Coronación de la Virgen (Ala Denon, Sala 708)

Exhibida en el hermoso Salón Carré del Louvre (Sala 708), la Coronación de la Virgen es una de las obras maestras de la pintura medieval del Louvre. Guido di Pietro, conocido como Fra Angelico, creó esta obra entre 1430 y 1432 y originalmente se usó como retablo para el convento de San Domenico en Fiesole, en las afueras de Florencia.

El tema de la Coronación de la Virgen estuvo representado con mucha frecuencia en el arte durante el siglo XIII, y este ejemplo muestra una delicadeza y una brillantez artística excepcionales.

La suntuosa pintura ilustra la Asunción de la Virgen María cuando es recibida en el cielo y coronada por Cristo, quien se muestra sentado muy por encima de la multitud de espectadores en un trono al que se accede por escalones de mármol.

La escena se representa con un detalle increíble y en tonos luminosos. Por ejemplo, Fra Angelico pintó los nueve escalones de mármol en diferentes colores. Abundancia de dorados se encuentra por todas partes, en el trono de Cristo, así como las aureolas de los ángeles, lo que parece sugerir una corte real en el cielo.

12. El tramposo con el as de diamantes de Georges de La Tour (Sully Wing, Room 912)

Creado alrededor de 1635, El tramposo con el as de diamantes encuentra un lugar de honor entre los Peintres de la Réalité (Pintores de la realidad) franceses del siglo XVII. El estilo de realismo característico de Georges de La Tour da vida a la escena de cuatro personas reunidas alrededor de una mesa mientras juegan a las cartas.

Los intrincados detalles de la pintura y la sutil expresión de las emociones otorgan autenticidad, lo que permite a los espectadores sentirse como espectadores de un juego de cartas real. Como espectadores, tenemos un sentido de curiosidad y anticipación sobre lo que sucederá a continuación.

Vemos cómo el sujeto de la pintura, un joven con un gorro de plumas vestido de manera extravagante, está a punto de ser engañado. En una composición inusual, el sujeto se representa en el extremo derecho (en lugar del centro) de la pintura, en un espacio apartado de los demás.

Mientras tanto, el otro grupo de tres personas parece compartir un secreto, evidenciado por sus movimientos oculares hacia los lados. La mujer del escote pronunciado llama la atención del espectador con su mirada furtiva. Ella se comunica en silencio con el jugador (el tramposo) del lado izquierdo del cuadro, quien discretamente saca una carta de as de diamantes de debajo de su cinturón, que será la carta «ganadora».

Un aspecto intrigante de esta pintura: el tramposo parece mirar hacia el espectador, como si supiera que está siendo observado. Como espectadores, atrapamos al tramposo y sus secuaces en su mala acción. George de La Tour usa esta escena para contarnos un drama moral sobre los pecados de la lujuria, el licor y el juego.

13. Retrato del artista sosteniendo un cardo de Albrecht Dürer (Ala Richelieu, Sala 101)

Una pintura sorprendente, el Retrato de l’Artiste Tenant un Chardon fue uno de los primeros autorretratos independientes en la pintura europea. Albrecht Dürer creó este retrato de sí mismo en 1493 cuando solo tenía veintidós años. El artista sostiene un cardo, que representa la fidelidad a su prometida o una alusión a la Pasión de Cristo.

La composición de un busto de tres cuartos de largo era típica de la pintura de retratos del siglo XVI. Los espectadores pueden detectar cierta torpeza en el retrato, porque el artista estaba trabajando desde su reflejo en el espejo.

14. Esculturas Captif de Miguel Ángel (Ala Denon, Sala 403)

Estas estatuas expresivas son obras maestras de Miguel Ángel, que muestran su genio de habilidad técnica y profundidad emocional. El par de esculturas, L’Esclave Mourant ( El esclavo moribundo ) y L’Esclave Rebelle ( El esclavo rebelde ), se encuentra en la Galerie Michel-Ange (Sala 403), una espaciosa galería con grandes ventanales que permiten que la luz natural brille. el espacio.

Ambos están encadenados y se muestran desnudos para enfatizar su vulnerabilidad, pero los dos esclavos transmiten emociones muy diferentes. El Esclavo Moribundo parece estar en un profundo sueño eterno, mientras que el Esclavo Rebelde está distorsionado en una lucha violenta. Algunos historiadores del arte han interpretado que las esculturas simbolizan el alma humana encadenada por el cuerpo.

Miguel Ángel comenzó a trabajar en las estatuas en 1513 como parte de un proyecto monumental para crear una tumba del Papa Julio II. Sin embargo, el proyecto se retrasó y finalmente se descartó. Esta es una posible razón por la cual las estatuas están sin terminar, con marcas de cincel aún visibles.

Otra explicación es que Miguel Ángel sintió que había logrado el máximo potencial artístico del bloque de mármol en bruto. De hecho, hay algo poético en la imagen de los esclavos que esperan ser liberados del mármol.

15. Joyas de la corona francesa (Galerie d’Apollon)

El máximo símbolo de grandeza y soberanía, las coronas de coronación de Francia reflejaban la riqueza y el poder de los monarcas franceses, así como la gloria del emperador Napoleón I y Napoleón III. Las coronas se hacían a medida para cada rey y se adornaban con preciosas joyas.

Asegúrese de ver la Couronne de Louis XV (Corona de Luis XV), que presenta dos hileras de perlas y ocho gemas (esmeraldas, zafiros, rubíes y topacios) que se alternan con brillantes diamantes. Los arcos de la corona están decorados con flores de lis (flores de lirio) de diamantes, el emblema de los monarcas franceses desde el siglo XII.

Para aquellos a los que les gusta el bling, el «le Régent» (el diamante «Regent» ) de 140 quilates no se puede perder. Esta deslumbrante gema es uno de los diamantes más finos y brillantes del mundo, apreciado por su perfección.

Una pieza que perteneció a la hija mayor (y única hija sobreviviente) de Luis XVI y María Antonieta, la Diadème de la Duchesse d’Angoulême (La tiara de la duquesa de Angoulême) es una pieza deslumbrante decorada con diamantes y esmeraldas.

La majestuosa Couronne de l’Impératrice Eugénie (Corona de la emperatriz Eugenia) ejemplifica la lujosa joyería del Segundo Imperio. El joyero imperial Alexandre-Gabriel Lemonnier creó esta reluciente corona con 2.480 diamantes engastados en forma de palmetas y flanqueada por 56 preciosas esmeraldas.

Las joyas de la corona se exhiben en la recientemente renovada Galerie d’Apollon (Denon Wing, Room 705), que reabrió sus puertas en 2020. Esta galería extravagantemente adornada fue creada en el siglo XVII por Louis Le Vau, arquitecto del Château de Versailles, y Charles Le Brun, pintor oficial de Luis XIV. La espléndida decoración de la galería rivaliza con la belleza de las gemas que se encuentran dentro de las exhibiciones. En el siglo XIX, Eugène Delacroix completó la pintura del techo central de la galería.

Explorando el Palacio del Louvre

La Gran Entrada: Pirámide del Louvre

La entrada principal al Louvre se encuentra en el patio central de la Pirámide del Louvre. Diseñada por el arquitecto Ieoh Ming Pei e inaugurada en 1989, esta icónica pirámide de 22 metros de altura está construida con 675 paneles de vidrio, inundando el espacio interior con luz natural.

La Pirámide permite el acceso a la Cour Napoléon, donde se encuentran la taquilla y el mostrador de información.

Hay formas más rápidas de ingresar al museo (desde la entrada Carrousel du Louvre o Rue de Rivoli), pero la Pirámide de Cristal es la entrada más espectacular a la fabulosa colección de bellas artes del Louvre.

El Louvre medieval: cimientos del palacio

Los cimientos originales del Louvre se encuentran en la sección del Louvre medieval, a la que se accede a través de la Pirámide y la escalera mecánica hasta el ala Sully. Esta área subterránea revela la fortaleza medieval que se creó para el rey Philippe Auguste en 1190.

Los visitantes pueden ver los antiguos cimientos, los restos del foso medieval y las mazmorras, así como la Salle Saint-Louis (construida entre 1230 y 1240), el único vestigio que queda del edificio principal de la fortaleza medieval.

Varias salas de la sección del Louvre medieval exhiben documentos, maquetas y pinturas relacionadas con la historia del Louvre.

Un magnífico palacio real digno de los reyes de Francia

La sombría fortaleza medieval del Louvre fue realzada bajo Carlos V, Carlos VI y Enrique II, y Luis XIII y Luis XIV la transformaron en un palacio real mucho más impresionante y lujoso. La Salle des Caryatides es una grandiosa sala de recepción creada para el rey Enrique II.

La Chambre de Parade du Roi (sala 25 del departamento de antigüedades egipcias) es el dormitorio donde Carlos IX y Enrique III saludaban a la corte todas las mañanas. La Salle des Sept-Cheminées (Sala 74 del departamento de Antigüedades griegas, etruscas y romanas) fue el apartamento real de Luis XIV hasta que trasladó su palacio a Versalles.

Incluso después de que el Louvre dejó de ser un palacio real, Napoleón III lo utilizó con fines oficiales. Los visitantes también pueden ver el opulento Gran Salón y los Comedores de los Appartements Napoléon III (Ala Richelieu, Sala 544). Ejemplificando el estilo del Segundo Imperio, la lujosa decoración presenta candelabros brillantes, molduras doradas, estucos decorativos, cortinas de seda, muebles de terciopelo y hermosos techos ornamentados.

Otra sala de visita obligada en el museo es la Galerie d’Apollon . Esta gloriosa sala de recepción tiene una espectacular pintura en el techo que fue iniciada por Charles Le Brun, en homenaje a Luis XIV, el Rey Sol. La parte no completada por Le Brun, el impresionante panel central que representa a Apolo matando a la serpiente pitón , fue pintado por Delacroix en 1851.

Dónde alojarse cerca del Museo del Louvre en París

El Musée du Louvre se encuentra en el centro de París, en el distrito 1, que es un área conveniente para que los turistas se queden. Recomendamos estos hoteles altamente calificados a poca distancia del Museo del Louvre:

• Mandarin Oriental Paris : este hotel de cinco estrellas ofrece alojamiento suntuoso y comodidades excepcionales: un spa de primer nivel, un jardín tranquilo, un gimnasio bien equipado, varios restaurantes de alta cocina y una elegante pastelería. La ubicación en la Rue Saint-Honoré está a pocos pasos del Jardin des Tuileries y de muchas boutiques de alta costura.
• Hôtel La Tamise – Esprit de France : A pocos pasos de la Rue de Rivoli y del Jardin des Tuileries, este hotel boutique de gama media ofrece habitaciones bien equipadas con camas cómodas. Las comodidades incluyen un conserje, restaurante y desayuno buffet.
• Hôtel Odyssey by Elegancia : Cerca del Jardin du Palais Royal y a unos 10 minutos a pie del Louvre, este hotel de tres estrellas tiene tarifas relativamente asequibles. Las habitaciones compactas del hotel (más adecuadas para personas que viajan solas) cuentan con una decoración moderna y ultramoderna.
• Hôtel Opera Maintenon : Este económico hotel de dos estrellas ofrece una excelente relación calidad-precio. Ubicado en una calle tranquila en un edificio histórico, el hotel se encuentra a poca distancia del Louvre, la Ópera y las Galerías Lafayette. Las comodidades incluyen servicio de recepción las 24 horas, conserjería y un desayuno francés tradicional (por un cargo adicional).

Consejos y recorridos: cómo aprovechar al máximo su visita al Museo del Louvre

• Horario: El Museo del Louvre está abierto los lunes, miércoles, jueves, viernes, sábados y domingos de 9 a. m. a 6 p. m. La última entrada es a las 17:00. El Louvre está cerrado los martes.
• Visitas guiadas: para asegurarse de ver todos los puntos destacados esenciales del museo, pruebe la visita Evite las colas: visita a pie del Museo del Louvre . Este recorrido de tres horas incluye auriculares, para que pueda escuchar fácilmente a su guía explicar la historia y el significado artístico de las obras maestras del museo, desde sus pinturas de valor incalculable hasta las joyas de la corona.
• Entradas: La entrada principal y la taquilla se encuentran en la Pirámide del Louvre, pero también tiene las filas más largas. Las entradas al Carrousel du Louvre desde la estación de metro o la Porte des Lions evitan las largas colas. Puede comprar boletos con anticipación, pero debe recogerlos en persona en la entrada de la Pirámide de Cristal (esto no le permite saltarse las filas).
• Paris Museum Pass: El Paris Museum Pass permite la entrada ilimitada y gratuita al Museo del Louvre, así como a más de 50 museos y monumentos. Los visitantes pueden elegir un pase de 2 días o un pase de 4 días , dependiendo de la duración de su estancia en París. Con este pase, puede saltarse la fila de entrada al Louvre.
• Recursos: El sitio web del Louvre también tiene una sección dedicada a información práctica sobre los horarios de admisión, cierre de salas y servicios del museo.
• Comida y bebida: el Louvre tiene más de una docena de opciones (cafés, restaurantes y cafeterías) para los visitantes en busca de refrescos. El Café Richelieu trata a los huéspedes con un menú refinado y chocolate caliente decadente proporcionado por el legendario salón de té Angelina. En un elegante pabellón del ala Denon cerca de la galería de pinturas francesas, Le Café Mollien sirve un menú sencillo para el almuerzo. El entorno más pintoresco se encuentra en la Terrasse de Pomone al aire libre, una crepería y brasserie de moda en el Jardín de las Tullerías. Hay refrigerios gourmet disponibles en Paul, una panadería francesa tradicional en el Carrousel Garden. Escondido entre las arcadas del Louvre, el Café Marly es un exclusivo restaurante de alta cocina.
• Cómo llegar al Louvre: la parada de metro está en la estación Palais-Royal-Musée du Louvre o los autobuses números 21, 24, 27, 39, 48, 68, 69, 72, 81 y 95 paran frente a la Pirámide del Louvre. El aparcamiento más cómodo es el garaje subterráneo de Avenue du Général Lemonnier, abierto todos los días de 7:00 a 23:00 horas.

Dirección: Rue de Rivoli, 75001 París